Durante la grabación, Radiohead construyó Paranoid Android uniendo distintas secciones que originalmente eran canciones separadas. Thom Yorke la describió como una “mini ópera” nacida del desconcierto y la irritación que sintió en un bar de Los Ángeles, donde presenció a una mujer perder el control y exigir que le trajeran “la cabeza del camarero”.

Abstract

Este ensayo analiza Paranoid Android de Radiohead como una obra que encarna el desconcierto emocional del mundo contemporáneo. A través de una lectura que combina estética, sensibilidad social y dimensión afectiva, se exploran los ejes temáticos que estructuran la canción: la ansiedad como origen, la fragmentación como forma, la tensión espiritual de su plegaria coral, la alienación del cuerpo-máquina, la violencia como presencia ambiental, la belleza surgida del derrumbe y la voz de Thom Yorke como núcleo humano que resiste la saturación del ruido. Más que un relato musical, la canción se revela como un retrato del colapso emocional moderno y como una expresión poética de la fragilidad en tiempos de presión constante.

"Ambition makes you look pretty ugly…"
— Radiohead, Paranoid Android (1997)

El desconcierto como origen: la ansiedad del mundo moderno

Hay canciones que no buscan describir un estado emocional, sino capturar el instante en que la mente se fractura. Paranoid Android nace justo allí, en el borde del desconcierto, cuando la experiencia cotidiana se vuelve insoportable y el individuo se siente expulsado de su propio cuerpo. Es significativo que Thom Yorke haya señalado que el germen de la canción surgió de una escena aparentemente banal en un bar de Los Ángeles: una mujer fuera de sí, humillando a un mesero, reclamando absurdamente su cabeza. No es un detalle anecdótico; es una entrada directa a la textura emocional del tema. La irritación, la incomodidad, la sensación de que algo se ha desajustado en la forma en que nos relacionamos unos con otros: ese es el verdadero punto de partida.

Podría decirse que Paranoid Android funciona como una especie de retrato del desasosiego contemporáneo. No es un diagnóstico ni un manifiesto, sino una experiencia encapsulada: un estado de ánimo que atraviesa convulsiones, picos de tensión, quiebres y súbitas iluminaciones. En lugar de ofrecer una estructura lineal, opta por fragmentar el relato emocional, como si la canción misma se negara a ordenar el caos. Este desconcierto primordial no se explica ni se justifica; simplemente irrumpe, como ocurre en la vida real cuando la ansiedad nos toma por sorpresa en lugares donde no debería existir. La canción comprende que la modernidad no estalla en grandes tragedias, sino en pequeños colapsos privados, en escenas insignificantes que de pronto nos revelan lo frágiles que somos.

El ambiente urbano que rodea este origen no es indiferente. Paranoid Android es hija de un mundo hiperconectado, hiperexigido, saturado de estímulos y expectativas. Cada sección de la canción es producto de una irritación acumulada, de la imposibilidad de mantener una fachada estable frente a un continuo bombardeo de reglas sociales, laborales y emocionales. Todo parece diseñado para exigir productividad, claridad, coherencia; pero la mente humana, lejos de ser una máquina, opera en una pluralidad caótica de impulsos y contradicciones. De ahí que la canción se convierta en un espejo roto que refleja no una imagen, sino fragmentos de múltiples posibilidades, todas ellas incómodas, todas ellas verdaderas.

El desconcierto no se limita a la confusión emocional. También es epistemológico. La canción sugiere que no podemos confiar plenamente en nuestras percepciones: lo que vemos y oímos se distorsiona bajo el peso de la presión interna. Los versos parecen desplazarse entre un registro casi psicótico y una lucidez tajante, como si la conciencia del narrador fuera una ventana empañada cuyos claros se alternan con zonas de sombra. Allí, en ese vaivén, se configura la atmósfera exacta de Paranoid Android: un espacio mental donde la ansiedad se vuelve lenguaje y el lenguaje se quiebra. La violencia latente en el origen de la canción no es solo social; es íntima, es la violencia de la mente que intenta mantenerse unida mientras el mundo exterior la empuja hacia la dislocación.

Este origen desconcertado es esencial para entender la arquitectura emocional del tema. No se trata solo de un incidente en un bar, sino de una metáfora perfecta de la fragilidad contemporánea. A veces, basta un gesto grotesco para que la fachada de normalidad se derrumbe. En ese sentido, Paranoid Android captura un momento que todos hemos experimentado: aquel en el que el mundo deja de tener sentido por unos segundos y nos quedamos atrapados en la imposibilidad de comprender lo que nos rodea. La canción no pretende resolver esa inquietud; la abraza, la amplifica y la transforma en un viaje sonoro que se desplaza entre el caos y la súbita claridad.

Al final, el desconcierto es la semilla desde la que crecerá todo el conflicto emocional de la obra. Es un inicio sin estabilidad, un impulso primario que prepara al oyente para una travesía musical donde cada quiebre es una confesión y cada pausa un suspiro contenido. Paranoid Android no empieza: irrumpe, como un pensamiento intruso que se abre paso sin permiso en nuestra conciencia. Y esa irrupción, al igual que el malestar moderno, nos obliga a escuchar con el corazón en tensión.

"La canción no avanza: se transforma, como si cada fragmento fuera un intento desesperado de sostener una identidad que se deshace en pleno tránsito."

Fragmentación y tránsito: una canción que se descompone

Paranoid Android es, ante todo, un desplazamiento. No avanza: se transforma. Su estructura fragmentada no es un capricho compositivo ni un intento de experimentar por el mero gusto de hacerlo. Es la manera más honesta de traducir un estado mental en el que nada permanece estable por demasiado tiempo. Cada sección parece responder a un sobresalto emocional distinto, como si la canción estuviera capturando los vaivenes internos de alguien que ya no puede sostener una sola narrativa de sí mismo. Así, a medida que avanza, la pieza no se desarrolla de manera lineal, sino que atraviesa una serie de rupturas que la llevan a parecer varias canciones en una, unidas únicamente por el hilo tenso del desconcierto.

La fragmentación opera aquí como un espejo de la vida contemporánea, donde pasamos de un estado afectivo a otro con la rapidez de un clic. La canción observa esa dinámica no desde la distancia, sino desde su propio interior: se disloca, se quiebra, cambia de forma, como si no pudiera contener la presión de sus propios sentimientos. En lugar de buscar una cohesión tradicional, Radiohead abraza la posibilidad de que el sujeto moderno no esté hecho de continuidad, sino de partes inconexas, de impulsos que chocan entre sí y generan tensiones que nunca llegan a resolverse. Paranoid Android parece neutralizar la idea de identidad estable y, en su lugar, propone una subjetividad en tránsito perpetuo.

Cada cambio de sección funciona como una puerta que se abre hacia un nuevo territorio emocional. La primera parte arrastra una mezcla de irritación y desconcierto; la segunda, con su energía más acelerada, se siente como un estallido interno que busca escapar de una presión invisible; la tercera, casi litúrgica, cae en una especie de súplica o plegaria desesperada; la cuarta regresa al caos, como si la breve pausa espiritual hubiera sido apenas un espejismo. En este constante movimiento, la canción captura la volatilidad del ánimo humano, esa imposibilidad de permanecer en un solo lugar cuando la ansiedad devora cada intento de estabilidad.

Pero la fragmentación no implica ausencia de sentido: hay un hilo invisible que une las partes. Ese hilo es la conciencia del narrador, quien, aunque descompuesto, sigue presente en cada sección. No se trata de un personaje que evoluciona, sino de una voz que cambia de máscaras, que se desdobla para poder soportar aquello que lo sobrepasa. La fragmentación es una forma de resistencia: si la mente no puede enfrentar el caos de un solo golpe, se divide en múltiples versiones de sí misma, como si así pudiera repartir el peso del mundo. En este sentido, Paranoid Android ofrece una lectura profundamente humana: la ruptura como estrategia de supervivencia.

El tránsito constante también funciona como una exploración sonora de la vulnerabilidad. Los cambios abruptos no son violentos por mero efecto, sino porque representan la intensidad de emociones que no encuentran un cauce adecuado. La canción se siente como un diario en desorden, lleno de tachaduras y anotaciones apresuradas, donde cada frase se interrumpe antes de llegar a completarse. La fragmentación revela una mente que intenta narrarse a sí misma sin lograrlo del todo, porque cada nueva sensación borra la anterior, y cada pensamiento se ve desbordado por otro más urgente. En esa inestabilidad reside su fuerza: Paranoid Android no describe el caos, lo encarna.

A fin de cuentas, la canción se descompone porque quien la habita también lo hace. Su tránsito emocional es el tránsito de alguien que intenta reconstruirse sin saber por dónde empezar. Cada sección es un intento fallido de ordenar el mundo, una tentativa inconclusa de darle forma al dolor. La fragmentación, lejos de ser una falla, es el lenguaje exacto para hablar de una subjetividad que se deshace y se recompone a cada instante. En esa oscilación constante, la canción encuentra su verdad más profunda: la de un yo que no puede fijarse, que solo puede moverse entre sus propias ruinas.

Teología en ruinas: “God loves his children” como plegaria rota

Hacia el final de Paranoid Android, la canción realiza un giro inesperado: después de la tensión acumulada, el caos rítmico y las convulsiones emocionales, emerge una sección coral que parece abrir una rendija hacia lo sagrado. La frase “God loves his children” aparece como un eco lejano, casi como un canto religioso que intenta ofrecer consuelo. Pero el consuelo llega tarde. O quizá nunca llega del todo. La canción no propone una reconciliación; propone una plegaria rota, un fragmento de fe que se asoma entre los escombros de una mente exhausta.

Este momento no puede leerse como una afirmación creyente ni como un gesto irónico en sentido estricto. En lugar de eso, la frase funciona como una grieta emocional: un susurro que busca redención cuando ya no queda nada que redimir. El tinte casi litúrgico de esta sección no elimina la angustia previa, sino que la amplifica. Es como si la fe apareciera no para salvar, sino para mostrar lo poco que puede decir ante un mundo que se desmorona. El coro no redime: revela la dimensión espiritual del agotamiento. En ese sentido, Paranoid Android se abre por un instante a la posibilidad de lo divino, pero lo hace desde un escepticismo dolido. La teología se presenta como un refugio que el sujeto ya no puede habitar.

Este gesto tiene resonancias culturales más amplias. En la tradición occidental, el recurso al lenguaje religioso suele enmarcar los momentos de vulnerabilidad extrema: cuando el individuo se ve incapaz de sostener su propia sensación de sentido. Sin embargo, en Paranoid Android ese recurso aparece fragmentado, despojado de solemnidad, casi como una reliquia de una fe que ya no protege. La frase “God loves his children” suena más a pregunta que a afirmación. Es un vestigio de una esperanza que se desgasta en la repetición, como si la voz intentara convencerse de algo que ya no puede creer. Lo sagrado se ha erosionado, pero la necesidad de consuelo persiste, incluso aunque sepamos que no llegará.

Musicalmente, esta sección funciona como una suspensión del tiempo. El ritmo se apacigua, la armonía se estira, y la voz adopta un tono casi resignado. Es un paréntesis dentro de la presión constante que domina las otras partes de la canción. Pero incluso ese paréntesis resulta inquietante. No es un descanso verdadero, sino una especie de alucinación espiritual que permite asomarse a un estado más frágil del narrador. El gesto teológico no es una respuesta: es una exhalación. Un intento de hacer las paces con el caos, sabiendo que la paz es imposible.

La fuerza de esta sección reside en su ambigüedad. No sabemos si la frase es un consuelo sincero, un acto de burla, un recuerdo de la infancia, o un último intento de conectar con algo más grande que el dolor. Esa ambivalencia es fundamental: nos recuerda que incluso en medio del colapso, el ser humano sigue buscando un significado, aunque sea uno precario, aunque sea uno que se deshace en las manos. En Paranoid Android, la fe aparece como un eco, no como una estructura; como un residuo emocional más que como una convicción. Y en ese eco se revela la tristeza de una espiritualidad que ya no puede sostener al sujeto, pero que sigue rondándolo como una sombra.

Lo fascinante es que esta grieta espiritual no calma la canción, sino que la hace más humana. La plegaria rota es un recordatorio de nuestra necesidad de amparo, incluso cuando sabemos que no lo encontraremos. Es una forma de mostrar que bajo todas las capas de angustia, irritación y colapso, existe una vulnerabilidad profunda que anhela una voz que diga que todo estará bien. Pero esa voz, en Paranoid Android, solo llega como un murmullo incierto, demasiado frágil para convertirse en verdad. Y es precisamente esa fragilidad la que convierte el verso final en uno de los momentos más desgarradores de la canción.

"El cuerpo en Paranoid Android es una máquina fatigada, un territorio donde la ansiedad deja marcas que ni el sonido ni el lenguaje pueden ocultar."

El cuerpo como máquina: alienación, despersonalización y ruido

En Paranoid Android, el cuerpo aparece como un territorio fracturado, un mecanismo sometido a presiones que sobrepasan lo humano. La canción no habla directamente del cuerpo, pero lo insinúa en cada gesto sonoro: respiraciones entrecortadas, voces que se distorsionan, guitarras que crujen como articulaciones desgastadas. El cuerpo se vuelve una máquina que ya no obedece del todo, un artefacto que funciona a medias, empujado por impulsos contradictorios que lo desarman. Este tratamiento del cuerpo como algo mecánico, casi robótico, no es sólo una metáfora del agotamiento: es la descripción de un modo de vida en el que el ser humano ha perdido el control sobre su propia experiencia.

La alienación se filtra en cada capa de la canción. El sujeto lírico parece desconectado de sí mismo, incapaz de reconocer los límites de su propio cuerpo, atrapado en un estado de sensibilidad hipertrofiada. El mundo exige demasiado, demasiado rápido, y la mente responde con un colapso progresivo que convierte cada estímulo en un exceso. La percepción misma se vuelve hostil. La despersonalización aparece como un mecanismo de defensa, una forma de sobrevivir en un entorno que insiste en reducir al individuo a una pieza dentro de una maquinaria muchísimo más grande. En ese contexto, el cuerpo ya no es refugio: es una interfaz, una carcasa que carga con una presión que no puede metabolizar.

Los cambios bruscos en la estructura musical no sólo representan estados emocionales: también evocan las interrupciones del propio sistema nervioso. El paso de una sección a otra se siente como el latido irregular de un organismo en tensión, como si la canción replicara los sobresaltos de un cuerpo que no logra estabilizarse. La distorsión de la voz —a veces irónica, a veces desesperada— sugiere un yo que intenta comunicarse desde un espacio donde la identidad se ha fragmentado. Es una comunicación fallida, o al menos incompleta, en la que cada frase parece llegar desde un lugar demasiado profundo o demasiado ajeno para integrarse plenamente a la superficie del lenguaje.

La alienación corporal que propone Paranoid Android no es abstracta. Está atravesada por la experiencia cotidiana del sujeto contemporáneo: el ritmo acelerado, la saturación sensorial, la constante presión para responder, actuar, producir, incluso cuando el cuerpo ya no puede más. La canción captura ese estado en el que uno se siente desconectado de su propia carne, reducido a un conjunto de impulsos automáticos. Por eso la voz de Thom Yorke parece tener siempre un matiz ligeramente robótico: humano, pero al borde de volverse mecánico; cálido, pero drenado de energía; presente, pero como si se estuviera alejando de sí mismo mientras canta.

Aun así, hay una extraña humanidad en esta despersonalización. La música no celebra la robotización del individuo; la lamenta. Muestra el proceso por el cual nos convertimos en engranajes de nuestra propia ansiedad, atrapados en ciclos que no elegimos y que deterioran lentamente nuestra relación con nuestro propio cuerpo. En esa fricción entre lo mecánico y lo vulnerable se encuentra una de las facetas más potentes de Paranoid Android: la capacidad de revelar la intimidad del colapso sin necesidad de describirlo de manera explícita. La canción sugiere, insinúa, traduce al sonido lo que el lenguaje no consigue nombrar.

Al final, el cuerpo en Paranoid Android no es sólo un vehículo para la angustia: es la geografía misma del conflicto. Es ahí donde se experimenta el ruido, donde se siente la presión, donde la alienación se convierte en síntoma. Si la canción se descompone, es porque el cuerpo que la habita también lo hace. Si la canción se fragmenta, es porque la subjetividad que la narra ya no puede sostener una forma unificada. Así, la pieza nos recuerda que la experiencia emocional no ocurre en el vacío: siempre está atravesada por la corporalidad, por esa máquina frágil e imperfecta que nos permite sentir, pero que también puede fallar bajo el peso del mundo.

La violencia como ruido de fondo

Hay una violencia que no necesita estallar para sentirse. Vive debajo de la música, vibra en los silencios, se insinúa en los gestos sonoros que Radiohead inserta como pequeñas heridas dentro de la canción. Paranoid Android no habla directamente de golpes, guerras o cuerpos quebrados; su violencia es más íntima y más abstracta, pero no por ello menos presente. Se siente como un ruido que acompaña al mundo, una especie de zumbido permanente que ha dejado de asustar porque ya se volvió parte del paisaje emocional de la vida moderna.

En la primera mitad del tema, esa violencia aparece como irritación: voces que se cruzan, frases cortadas, interferencias, una atmósfera de agresión contenida. La sensación no es la de alguien gritando, sino la de alguien que está a punto de hacerlo. Como si el mundo entero funcionara a una temperatura emocional demasiado alta, y cualquier roce pudiera desencadenar una ruptura. La violencia aquí adopta el tono de la saturación: hay demasiado ruido, demasiadas demandas, demasiada tensión para un cuerpo que intenta mantenerse íntegro.

Más adelante, esa violencia estalla brevemente en explosiones eléctricas. Las guitarras ya no acompañan: interrumpen, empujan, corren detrás de la voz de Yorke como si quisieran arrastrarla hacia un borde. Es como si la canción simulase los ataques imprevistos del mundo: no se anuncian, no se explican, simplemente suceden. En ese sentido, Paranoid Android no representa la violencia: la encarna. La hace audible en su lógica irregular, en su sequedad, en sus arranques repentinos.

Sin embargo, lo más inquietante no es el estallido, sino la normalización. La violencia deja de ser un sobresalto para convertirse en un paisaje constante. El oyente aprende a esperarla. Cada vuelta melódica está acechada por una distorsión futura. Y esa anticipación es parte esencial del malestar contemporáneo: la vida vivida desde la sospecha, desde el cálculo del próximo golpe, desde la hiperalerta emocional. Radiohead hace de ese estado un lenguaje musical.

No es casual que la canción avance como si intentara escapar de algo que nunca termina de mostrarse. La amenaza es difusa, pero su presencia es total. Es el mismo tipo de violencia que atraviesa las ciudades modernas, donde nadie grita pero todos contienen la respiración; donde el estrés se acumula como polvo, donde el cansancio se vuelve estructura. En Paranoid Android, la violencia se percibe como un clima, no como un evento: está en todas partes, porque es parte del modo en que habitamos el mundo.

Y, sin embargo, la canción no denuncia ni moraliza: expone. Nos deja escuchar esa vibración oculta, ese temblor que sostiene una época. Por eso, cuando aparece el coro celestial, lo que sentimos no es alivio, sino contraste. La violencia es el sustrato que convierte cualquier destello de calma en una anomalía. Radiohead no construye un retrato del horror, sino del desgaste. La violencia ya no destruye: erosiona.

"En el derrumbe emocional de Paranoid Android la belleza no corrige nada: simplemente ilumina lo que tiembla."

Belleza y derrumbe: la estética del caos emocional

Hay algo profundamente inquietante en la forma en que Paranoid Android mezcla lo hermoso con lo descompuesto. La canción no oculta su caos; tampoco lo celebra. Más bien lo transforma en una especie de estética en la que la belleza no aparece como opuesto del derrumbe, sino como su consecuencia. De principio a fin, la pieza funciona como un mapa emocional quebrado, donde cada fragmento —por violento, disonante o melancólico que sea— participa en la construcción de un paisaje sonoro que resulta extrañamente bello.

Este tipo de belleza no es la de la armonía clásica, ni la de la claridad. Es una belleza tensa, hecha de errores, hendiduras y temblores. Radiohead encuentra lirismo en lo inestable, como si la música tuviera que perder su forma para revelar aquello que la habita. La canción muestra que la emoción no fluye de manera lineal; se interrumpe, se dobla, se contradice. Y en esas fracturas emerge una belleza distinta, casi mineral, que no intenta reparar lo roto, sino iluminarlo.

El célebre segmento coral es el punto donde esa lógica se vuelve más evidente. No es un momento de redención, aunque suene a plegaria. Es más bien el fulgor que aparece justo cuando las cosas se quiebran. Yorke y la banda no ofrecen consuelo: ofrecen claridad. Y la claridad, en un mundo emocional saturado y desgastado, puede ser dolorosa. La belleza del coro no elimina la tensión previa: la revela con mayor profundidad. Es un instante detenido en el que la fragilidad resplandece, pero solo para recordarnos que lo siguiente será el regreso al caos.

Paranoid Android propone así una estética del derrumbe emocional que no se basa en dramatismos, sino en estructuras que se deshacen. Las capas de sonido se levantan y se hunden, las voces se duplican y se contradicen, las guitarras abren heridas y luego las suturan con acordes que apenas sostienen la melodía. El resultado es un equilibrio precario, como una arquitectura que se mantiene en pie por el puro gesto de resistir. Cada tensión produce una luz breve y temblorosa: algo se está rompiendo, y en esa ruptura hay una forma inesperada de belleza.

Esta estética del caos emocional resuena profundamente con la sensibilidad contemporánea. En un mundo donde lo estable se desmorona, donde las certezas se agrietan, donde la ansiedad es casi un lenguaje cotidiano, la belleza ya no puede ser ingenua ni transparente. Necesita contener la herida. Radiohead lo sabe, y por eso Paranoid Android no es un refugio: es un retrato. Un retrato donde la descomposición convive con una forma particular de luminiscencia interior.

La canción le habla al oyente desde ese territorio ambiguo: lo que se derrumba puede iluminar, lo que se quiebra puede revelar, lo que se disuelve puede cantar. Esa es la apuesta estética de la obra: no reconstruir el orden, sino permitir que el caos tenga su propia expresión poética.

La voz de Yorke: humanidad bajo presión

En Paranoid Android, la voz de Thom Yorke no es un instrumento más: es el centro emocional que sostiene todo el caos que la rodea. No importa cuántas capas de guitarras irrumpan, cuántos cortes inesperados atraviesen la estructura o cuánta distorsión se acumule a su alrededor; la voz permanece como una línea frágil, humana, que intenta respirar en medio de un entorno que parece diseñado para asfixiarla. Esa tensión —entre una voz vulnerable y un mundo sonoro que la supera— es uno de los cimientos expresivos de la pieza.

Yorke canta como quien está dentro de una presión atmosférica demasiado alta. Su tono oscila entre el reclamo, el desconcierto y una forma tenue de súplica. Cada frase suena al borde del colapso, pero nunca llega a romperse del todo. Esa contención sostenida es parte de su fuerza: en vez de gritar, Yorke deja que la voz tiemble. La fragilidad no es una debilidad, sino una forma de resistencia. En un entorno sonoro que tiende al desgarro, la voz se vuelve el último gesto humano capaz de decir “aquí sigo”.

Una de las características más notables es cómo su interpretación encarna la sensación de despersonalización que atraviesa la canción. Yorke no canta como una figura heroica ni como un narrador confiado. Canta como alguien que ha sido empujado fuera de sí mismo. Esa pérdida de centro, tan propia de la ansiedad contemporánea, se vuelve audible en los quiebres de su timbre, en los susurros que emergen casi sin fuerza, en los registros agudos que parecen más un escape que una afirmación. La voz es un cuerpo bajo presión, un cuerpo que intenta no desvanecerse en el ruido.

A medida que la canción avanza, la voz se ve obligada a adaptarse a los cambios bruscos del paisaje sonoro. En los segmentos más agresivos, Yorke suena como si luchara por no ser arrastrado por la corriente. En el coro celestial, su voz se vuelve casi transparente, suspendida en una luz que parece demasiado pura para durar. Hay un contraste evidente: la voz encuentra belleza en un entorno que busca desestabilizarla. Esa relación es uno de los rasgos más conmovedores de Paranoid Android. La voz no domina la canción; la habita. Y al habitarla, la humaniza.

Por eso, la interpretación vocal funciona como el hilo que permite que el oyente atraviese la obra sin perderse por completo. La voz es la brújula. Es el puente emocional que da sentido al caos. Incluso cuando parece estar al borde del agotamiento, su presencia sostiene la narrativa interior de la canción. Yorke canta como si cada palabra fuera un acto de supervivencia, como si el mundo moderno —con sus ruidos, sus fracturas, sus sobrecargas— exigiera una energía emocional inmensa para simplemente decir algo.

En última instancia, la voz de Yorke no ofrece soluciones ni respuestas. Ofrece humanidad. Una humanidad limitada, exhausta, consciente de su precariedad, pero humanidad al fin. En un paisaje sonoro que encarna el desconcierto contemporáneo, esa voz es el recordatorio de que todavía hay alguien dentro del ruido, alguien que respira, alguien que siente. Y eso basta para que la canción, atrapada en su espiral de fragmentación, conserve un corazón.

En la tormenta sonora de Paranoid Android, la voz de Yorke es la prueba frágil —pero persistente— de que aún queda un alguien dentro del ruido."

Bibliografía

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